他走上了一条不同寻常的抽象之路。康定斯基起初是一名很有前途的俄国律师，1896年他在莫斯科大剧院观看瓦格纳的歌剧《罗恩格林》（Lohengrin）时，“有所领悟”，便投身艺术创作。此后不久，他去看了莫奈的画展。这位法国印象派画家在画干草堆时，优先考虑色彩而非描绘对象，这一做法让他深受触动。莫奈的这些画作和瓦格纳的音乐，给这位早熟的辩护律师带来了双重顿悟，他立即把自己的法律书籍换成了画布和画笔。
很快，他就能在色彩中看到声音，在音乐中听到色彩。他说，橙色就像“一座中等大小的教堂钟的声音，让人联想到强有力的中音声部，或是中音小提琴的演奏”。另一方面，紫罗兰色“是英国管之声，是牧羊人的长笛，或木制乐器（例如巴松管）的低沉音调”。他对自己调色板上的所有颜色都进行了音乐化的转译，包括朱红色，它“发出巨大号角一样的声响，堪比鼓声轰鸣”。
1913年，一幅名为《构成七号》（Composition Ⅶ）的画作，宣告了他艺术和音乐交叉的冒险达到了巅峰。这幅画有一面墙那么大（2米×3米），激烈、狂乱，其中有很多他在勋伯格的无调性作品中首次发现的不和谐因素。在三十年间，他以“构成”为题创作了十幅画（其中前三幅已在战争中遗失），这幅画就是其中之一。这些画均有相似的心理出发点，他用诗意的语言对此进行了描述：
感觉慢慢形成，在我内心酝酿了很长时间，经过学究似的检验，凭直觉构思出来，之后逐渐发展成型。这类绘画我称之为“构成”。理性、意识、目的和适当的法则起着决定性的作用。不过，不能认为这是单纯的计算，因为感觉才是决定性的因素。
我曾站在《构成七号》前，对其尺幅和野心深感敬畏。我能感受到艺术家迸发的情感，如同寒夜中篝火发出的热量。康定斯基会说，你正在体验这幅画内在的精神性，它正在向你介绍它自己。也许是这样的。它确实有一种可燃的能量，其色彩和形状重叠交错，在画布上四处跳跃，如同叶子堆里的青蛙。
红、黑、黄、蓝主导了一场色彩秀，其中有康定斯基喜欢的许多图案和纹饰。例如，他认为加入蓝色的圆圈，事物的内在本质（我们的感觉和无意识的心智）与外在世界和宇宙就结合在了一起。还有暗示艺术中精神性的三角形，以及深色的山形元素——可以追溯到俄国的民间传说和图像。再进一步观看，你会发现从一艘满载游客的船上伸出的船桨，船正在高高的海面上翻腾，这个意象贯穿康定斯基的整个艺术生涯。除此之外，你很难对《构成七号》产生连贯的视觉感受，只能顺着康定斯基的思路走，让作品喧嚣的能量把你带走，像他希望的那样，把它当作一场编排华丽的乐曲。